CAPITULO V

DISEÑO

Germán Ccanto Mallma

1. El diseño basado en el hombre

El diseño y el motivo gestor

El diseño es consecuencia de un proceso histórico en donde los acontecimientos y progresos se van uniendo con otros. El análisis del desarrollo de la cultura en tiempos pretéritos nos hace conocer que en las distintas fases de la evolución del hombre la producción de objetos tanto de tipo utilitario, como de carácter ceremonial o recreativo para el cuerpo o el espíritu, estuvieron vinculadas a algún tipo de “motivación” que les dio origen.

Tratándose de objetos manufacturados, en los cuales la sensibilidad del artesano juega un rol definitivo para conseguir una valoración estética, mientras mayores significaciones tengan dicho valor, el objeto se volverá más trascendente y podrá ser apreciado por la comunidad.

Por ello un motivo gestor es un eje de interés tanto para el productor del diseño, cuando para la colectividad que lo consume y aprecia. Las formas en el diseño artesanal requieren contenidos trascendentes por lo cual deben tener arraigo en la historia y en el entorno. Motivo gestor es todo acontecimiento, forma o mensajes que tiene interés para la colectividad de un entorno social y geográfico. Cada entorno social y geográfico dispone de motivos gestores que le son propios, la obligación del artesano y artista consiste en descubrirlos y utilizarlos para la creación de nuevos diseños.

Para utilizar el método del motivo gestor existe un proceso que pasa desde el conocimiento sensorial, geométrico, científico, hasta una nueva interpretación creativa de un diseño que se ajuste a las necesidades del usuario.

Mi diseño artesanal es auténtico.

Autenticidad quiere decir verdad. La autenticidad es un valor humano que se reproduce en los objetos que diseña y elabora el hombre, por tanto el componente ético que implica la autenticidad permite que quién consume un objeto auténtico, lo haga anteponiendo el respeto que genera un hecho desarrollado en el plano de la moralidad. La verdad es una cualidad que debe trasparentarse en todas las fases del diseño y de la construcción de un objeto artesanal. Por ello la autenticidad, en este caso, se convierte en una cualidad de tipo artístico.

La autenticidad se encuentra ligada a las reales condiciones del medio ambiente de donde surge el diseño. Los grupos humanos que compran objetos artísticos y artesanales buscan la originalidad. La originalidad es todo lo contrario a la copia, cuando un objeto artesanal es copiado, pierde la autenticidad y por tanto, disminuye su valor.

En ocasiones se miran objetos elaborados cuyas funciones nada tienen que ver con las formas, por ejemplo un reloj en forma de violín, las rocas decoradas en forma de ladrillos, la arcilla imitando al plástico o viceversa, condiciones falsas, que desvirtúan la autenticidad de los objetos y que por lo tanto les merman valor y aprecio de quienes los usan.

El instrumento del diseño por excelencia, es el dibujo natural por cuanto con él se concretan las ideas y con su expresión se puede comunicar a los demás como quedaría el trabajo luego que sea construido.

Todos podemos diseñar.

El diseño es creación, y la creación es una condición propia de todos los seres humanos. En nuestras actividades cotidianas siempre estamos creando. El concepto de “crear” no se lo debe entender como el hecho de producir alguna cosa de la nada, si no el de solucionar problemas que demandan enfrentados de nuevas maneras. Así cuando necesitamos clavar un clavo y no disponemos de un martillo, con creatividad solucionamos dicho problema.

La creatividad es parte de la evaluación de la humanidad. Si el hombre en el proceso histórico de su desarrollo no hubiese sido por naturaleza creativo o innovador y si no hubiese producido soluciones para sus problemas vitales, hace mucho tiempo que hubiese dejado de existir, por cuanto sus fuerzas y defensa frente a la naturaleza son menores que las de otras especies. Por ello podemos decir que la base de la creatividad se encuentra en la inteligencia de la persona, la misma que se desarrolla en base al ejercicio. Los grandes triunfadores en el mundo han sido los hombres más creativos y que han diseñado nuevos productos.

Conociendo que todos los seres humanos podemos diseñar es necesario que dispongamos de aceptación a esa condición de creadores, tengamos confianza en ella y hagamos un esfuerzo para producir objetos nuevos. El diseño no es sino un método o una técnica que permite la creación de objetos concibiéndolos con antelación para evitar desperdicios de tiempo y materiales.

El diseño y las necesidades humanas.

Las necesidades son vacíos o problemas materiales y espirituales que tiene el ser humano y que le demandan ejercer actividades para poder llenarlos, mejorarlos o solucionarlos. Cuando eso sucede el hombre encuentra un relativo equilibrio y se siente relativamente feliz aún cuando siempre tendrá en la vida y de manera permanente nuevas y diversas necesidades.

Las necesidades físicas como alimentos, vivienda, vestido, trasporte y trabajo el hombre las soluciona por medio de objetos materiales. Las necesidades espirituales tales como el conocimiento, la religión, el arte, la felicidad, la alegría y el amor el hombre las soluciona por medio de objetos o acontecimientos espirituales tales como música, literatura, arte, pintura, escultura y artesanía.

Existen objetos diseñados por el hombre que disponen de doble cualidad, ser al mismo tiempo objetos útiles y artísticos, por lo general aquellos de carácter artesanal tienen además de su uso práctico, valor artístico.

Por lo expuesto, el artesano es un hombre útil y apreciado, por cuanto crea y construye objetos que van a llenar vacíos de otras personas y, por lo tanto, contribuyen a la felicidad de los seres humanos.
El hombre constituye la dimensión del diseño.

Para que el diseño sea útil debe partir de las dimensiones tanto físicas cuanto espirituales del hombre. Esta proporción o relación entre el objeto que creamos y el hombre para quién diseñamos se denomina escala. Una ropa de niño no le sirve a un adulto por cuanto está en contra de la escala antropométrica del hombre en relaciona su edad, tamaño, corpulencia y peso.

Por ello el artesano auténtico y buen diseñador, debe considerar las cualidades del hombre, para que su diseño adquiera valor y sea altamente apreciado por quienes lo compran. Un objeto diseñado tiene valor sólo cuando sirve al usuario o al quién lo compra, y mientras más durables sea, su uso será más apreciado y tendrá mayor reconocimiento.

Es importante por ello que el artesano y los instructores en diseño preocuparse de establecer tanto las características físicas cuanto espirituales del hombre en cada uno de sus múltiples medios. Esta investigación permitirá entender que el diseño, no es único, si no que podrán existir muchas soluciones de diseño si se consideran los múltiples entornos donde desarrolla su vida y su actividad el hombre.

2. El diseño basado en el entorno.

El diseño y el entorno vegetal.

En todas las épocas de la humanidad la flora ha contribuido un referente para la creación artística. Las obras monumentales así como los pequeños objetos artesanales han sido permanentemente ornamentados con estilizaciones de la vegetación. Por otras parte, los temas vegetales han inspirados a los artistas para encontrar soluciones estructurales y formales en sus edificios y sus objetos.

La utilización de la vegetación de cada región forma parte de la personalidad y cultura de un pueblo. En América, existen especies vegetales auténticas y exclusivas tales como el maíz, patatas, las calabazas, el fréjol, la palta o aguacate, la granadilla, etc., especies que en cada una de sus partes pueden dar origen a originales sistemas de estilización y decoración de objetos artesanales.

La vegetación, por constituir fuentes de alimento y de salud, ha sido muchas veces venerada en las distintas culturas a través de la historia. Dicho respeto por las formas fitomorfas (vegetales) constituye una fuente permanente de motivos plásticos, gráficos, pictóricos y artesanales en la creación de nuevos objetos. La creación de objetos artísticos y artesanales, tomando como base motivos gestores del mundo vegetal propio de cada zona o región geográfica, a más de un mérito, constituye una reafirmación de la personalidad y autenticidad de la cultura de un pueblo.

El diseño y el entorno animal.

En el entorno zoomorfo (animal) de cada región se encuentran remas muy variados que pueden ser utilizados en el diseño. Las formas de los animales además de ser tan variadas son completamente armónicas, por cuanto son producto de un justo equilibrio de las fuerzas del desarrollo en la naturaleza y por ello son dignas de imitarse.

En épocas pretéritas el hombre de la actual América, respeto y veces consagró a los animales como símbolos divinos, en relación a su poder o al beneficio que de ellos recibía. La cerámica de nuestra historia aborigen precolombina es muy rica en ejemplos de utilización de formas animales, en la confección de objetos artesanales especialmente en cerámica, los cuales deben apreciarse y estudiarse.

En la época actual, el ser humano gusta de la representación zoomorfa, para degustar las cualidades estéticas de las figuras, y para encontrar en ellas símbolos que le permitan identificar ciertos valores sociales tales como la sabiduría, la constancia, la valentía, la alegría, al fortaleza, entre otros.

Si el artesano utiliza la fauna propia de su medio para crear estilizaciones plásticas e incorporarlas al diseño de objetos, está contribuyendo a fomentar el conocimiento y respeto que se debe tener por cada región.

El diseño y el entorno mineral.

Los contenidos expresados para la flora y la fauna, en los dos acápites anteriores, son también válidas para esta. Si bien el reino mineral es común en todas las regiones del planeta, ciertas conformaciones en montañas, canteras o rocas, la existencia de minas propias del sector, permitirán a los artesanos extraer configuraciones especialmente de carácter cromático y geométrico, aptas para estilizaciones personales.

El reino mineral de cada región brinda cualidades técnicas, que pueden ser aprovechadas por el artesano quien, con libertad y creatividad, puede manejarlas e integrarlas en la elaboración de sus objetos. La orientación por parte de los instructores de diseño de las diferentes regiones del área, permitirá crear micro laboratorios de investigación y experimentación permanentes en cuanto a la utilización de minerales del medio, posibilitando así, logros inéditos y nuevos diseños.

El develamiento de formas y colores del mundo mineral, de cada zona pede, constituir un ingrediente del mundo mineral, de cada zona puede, constituir un ingrediente más para dar vigor al mensaje del arte popular.

3. El diseño basado en la cultura.

La arqueología y la historia y el diseño.

Para todo pueblo y para cualquier ser humano es fundamental el conocimiento de su historia y la valoración de las obras de sus antepasados, pues constituye la base desde la cual se eleva y proyecta la cultura y el arte contemporáneo. Si bien las formas de producción cambian en cada etapa de la historia, ciertos símbolos son permanentes, pues constituyen parte de la esencia de la humanidad.

Las obras de nuestros antepasados, plasmados en madera, metal, tejidos, cerámica y muchos otros materiales, constituyen una muestra de su poder creativos, digno de emularse por cuanto dieron construidas en condiciones menos ventajosas y con una técnica menos evolucionada que la que disponemos en ésta época, por ello, debemos comprometernos con mayor responsabilidad y obligación en el desarrollo de nuestra creatividad.

Las formas pretéritas bien analizadas y reincorporadas al mundo de la plástica contemporánea, cuando no son simplemente copiadas sino proyectadas y actualizadas a nuestro tiempo y realidad, forman parte del nuevo arte y de la creatividad enraizada en la auténtica historia de cada pueblo.

El diseño es cultura popular y simbolismo.

En cada pueblo coexisten una cultura propia de la elite instruida y la cultura del pueblo, que constituye la base fundamental de la identidad, por cuanto pertenece a la gran mayoría y se fundamenta en valores menos contaminantes con lo extranjero. El diseño artesanal auténtico debe encontrar un justo término medio, que le permita aprovechar el caudal interminable del a cultura popular, como motivo de inspiración, y sin constituirlo en un paradigma ciego, combinando con los valores de la cultura universal que cambien nos pertenece a todos.

Nuestros diseños deben orientarse hacia el mundo de la cultura popular, es decir transmisión mensajes de identidad surgidos desde las bases populares, para que ellos sean valorados y asimilados por los grupos que puedan consumirlos. Las formas simples y auténticas de expresión popular en la música, poesía, bailes, vestimenta, mercadeo, comida, tecnología, etc., constituyen motivos gestores de suprema calidad para ser incorporados al diseño artesanal.

Nuestro entorno espacial: el paisaje, nuestra ciudad, nuestros pueblos con sus calles, nuestras viviendas populares, nuestros mercados, deben constituir fuentes permanentes de inspiración para la elaboración de nuevos diseños de objetos impregnados de auténtica cultura.

El diseño, la ordenación y el color popular.

El adorno es una necesidad de expresión del ser humano en todas sus actividades. Cada pueblo en las diferentes regiones del mundo ha tomado el color de manera muy particular, para utilizarlo como ornamentación y simbología de sus actos vitales, por ello debemos descubrir cual es nuestro universo del color, en la vivencia, en el vestido, en el trabajo, en las fiestas populares, en nuestro entorno en general.

La ornamentación constituye parte de nuestra personalidad, nos diferencia de las demás personas y de los otros pueblos. Analicemos de qué elementos está compuesta nuestra ornamentación y cuáles han surgido auténticamente. Los objetos artesanales para que sean además de útiles, bellos, deben ser adornados con formas que agraden a quien los utiliza.

En el diseño se debe diferenciar con claridad la estructura física y formal del objeto, de la ornamentación o vestido complementario constituido, en muchos casos, por los detalles, adornos o color de las formas y que al ser percibidos causan sensaciones de agrado y le otorgan belleza a los objetos.

4. La técnica en el diseño.

Los materiales y el diseño.

Todo objeto artístico o artesanal está construido con diferentes materiales. Por lo general el material junto con la técnica de trabajo, definen la tipología artesanal, no se puede entender la ebanistería si no es con madera, así como la cerámica con la arcilla, de ahí la importancia del creativo tratamiento de los materiales en la etapa del diseño.

Cada material tiene cualidades que le diferencian de otros, por ello es necesario descubrir esas diferencias y hacer que las mismas hablen por cuenta propia, consiguiendo que los materiales logren expresarse y luzcan su propia belleza. El conocimiento de las propiedades físicas de los materiales, dará al artesano la posibilidad de extraer de ellos muchas mayores posibilidades de nuevos diseños. Sin duda el trabajo fino y original sobre el material influye en la calidad de los objetos, por lo tanto en un mayor costo y estima de los mismos.

Desgraciadamente, la generalidad de los artesanos se acostumbran un tipo tradicional de trabajo y no corren el riesgo de buscar nuevas formas de tratamiento de sus materiales, ya que para ello es necesario una corta etapa de experimentación en la búsqueda de las cualidades físicas y artísticas de los materiales, que muchas veces, se encuentran ocultas y a la espera de que el artesano las aproveche.
El diseño y las técnicas constructivas adecuadas.

El artesano adecua sus herramientas a los objetos que va a construir. La principal característica del objeto artesanal está determinada por el tipo de herramientas, que en la generalidad de los casos son construidas por el mismo artesano y adecuadas a las necesidades que demanda el objeto. Esto le da un sello personal y original al producto artesanal, que es cotizado por quien lo adquiere.

Las herramientas pueden ser utilizadas de múltiples maneras y, cada una de ellas, da al objeto una valoración diferente en el proceso de construcción. Por supuesto, el empleo maestro de dichas herramientas es lo que otorga calidad artística a los objetos. El proceso de elaboración de un objeto artesanal y artístico es continuo y cada una de las partes del proceso, acumula valores artísticos que el objeto terminado se encarga de expresarlos manifestado; yo fui engendrado así y fui elaborado de esta manera.

La técnica de construcción constituye un componente artístico fundamental en los objetos artesanales, por cuanto constituye evidencia de la cultura de un pueblo. El conocimiento del desarrollo de culturas pretéritas, ha sido posible, gracias a que la arqueología ha sabido demostrar su evolución técnica y cultural. Por ello, el artesano debe tener clara conciencia de que con la aplicación original de sus técnicas de trabajo en la producción, está integrada su sensibilidad y por que no su genialidad en el descubrimiento de nuevas maneras de expresión artística.

El diseño artesanal es diferente al industrial.

Existen diferencias perfectamente marcadas entre los procesos y objetos industriales y artesanales que el artesano debe conocerlas, para no incurrir en el tremendo error de tratar de competir con sus métodos manuales y artísticos, con la productividad propia de la máquina. La artesanía, como su propio nombre lo indica es parte del arte y por tanto su expresión debe constituir parte de la manifestación espiritual del hombre. La máquina y la industria no tiene ese componente, por ello, sus productos son meramente utilitarios pero no se los puede calificar de artísticos o artesanales.

Es necesario conocer cuáles son las características que hacen bello a un objeto industrial y cuáles las que hacen hermoso a un objeto artesanal. El artista popular no necesita copiar objetos industriales ni competir con los modos de producción industrial, por cuanto la diferencia entre la máquina y el hombre se encuentra perfectamente marcada.

El valor del diseño artesanal se encuentra en la sensibilidad del hombre expresada por sus manos en la construcción de objetos. Sin desaprovechar los avances que brinda la tecnología contemporánea en los procesos de trabajo, el artesano debe tener una fina sensibilidad que le permita denotar en sus objetos un dominio de su expresión manual y alta calidad emotiva, por sobre los procesos de fabricación mecanizada e industrial, que le restan méritos a la expresión del producto artístico y artesanal.

5. Las categorías de la forma en el diseño.

El uso de las líneas y las superficies geométricas en el diseño.

Las formas plásticas y artesanales están constituidas por elementos básicos tales como: línea, superficies, volúmenes, espacios y colores. Por lo general estos elementos no son observados por el artesano son los que constituyen la estructura básica del diseño del objeto y, son los que le imprimen el carácter: alegre, serio, formal, elegante, que puede tener en su terminado.

Por ello, es necesario que el artesano se adiestre en el manejo gráfico de los elementos básicos de las formas geométricas, por cuanto, tanto en la naturaleza como en los objetos artificiales se encuentra presente la estructura geométrica y de su armonioso y creativo empleo depende parte de la calidad artística. Es necesario conocer que existen variantes múltiples de dichos elementos básicos y cada una permite al artesano enriquecer sus diseños. Las líneas y elementos básicos en general constituyen el alfabeto de un lenguaje artístico, por ello, mientras más amplio sea, se cargará de mayor valor expresivo y será más comunicativo.

Cada tipo de línea o forma tiene un significado diferente y se constituye en símbolo con un valor para las personas. Las líneas verticales significan vida y solemnidad como un hombre de pie o el interior de una catedral. Las líneas horizontales significan y dan reposo y serenidad a los objetos, tal como el agua en clama. Las líneas onduladas son juveniles y sensuales como el cuerpo de una joven mujer. Las líneas rectas e inclinadas son enérgicas y decididas como la lanzas de guerreros. Cada forma tiene sus significados que pueden ser aprovechadas por los artesanos, según sea su necesidad de expresión.

El diseño y el ordenamiento geométrico.

¿Qué es una estructura real, y cuál una estructura virtual? La estructura, como el esqueleto humano, es el que sostiene a la forma y a la decoración de un objeto, por ello, se debe explicar con claridad cuáles son los elementos estructurales de la forma de un objeto.

El valor de la geometría para conocer y expresar el mundo que nos rodea. Esta ciencia ha permitido al hombre en todos los tiempos racionalizar los fenómenos del universo que le rodea y, no existe ningún objeto que esté fuera de las constantes geométricas, por ello si un objeto artesanal se diseña con base en la utilización de elementos geométricos simples, su lectura será fácil y, por lo tanto, será atractivo para quién lo adquiera.

El ordenamiento geométrico como base de la decoración. Los elementos de adorno de un objeto necesitan situarse dentro de espacios bien determinados, para ello el artesano debe servirse de la geometría, que le permita encuadrar adecuadamente las decoraciones de los objetos, sin saturarlas hasta volverlas de un barroco empalagoso. Por el contrario, la decoración geométricamente situada valoriza al objeto y realza sus formas principales.

La geometría simplifica y economiza. La psicología de la mente del ser humano tiende a encontrar su agrado en los simple y fácil de entender; cuando una forma artesanal no es claramente identificada con formas geométricas se vuelve confusa, desordenadamente y por tanto no es agradable a la vista.

La coordinación modular sirve en el diseño.

¿Qué es coordinación modular? Se debe entender como un sistema de diseño que permite un desarrollo racionalizado y geometrizado de las formas, manteniendo una permanente relación armonizada entre las partes.

¿Qué es una estructura modular y sus elementos: módulos, micromódulos y submódulos? La estructura está organizada en base a ejes, líneas, centros que se encuentran distribuidos de manera proporcional en el espacio de trabajo; los micromódulos contienen un número proporcional a los módulos y estos a su vez el mismo número de veces a los submódulos, manteniendo la misma identidad geométrica entre ellos.

La coordinación modular en el diseño artesanal. La misma concepción puede ser aplicada en el objeto artesanal en el cual sus partes, en lo posible, deberían estar organizados modularmente.

El crecimiento infinito en coordinación modular. Es un hecho que un sistema modulado puede extenderse infinitamente hacia lo grande como también hacia lo pequeño, todo límite depende de la decisión que asuma el artesano para aprovechar de su ordenamiento modular, tanto a nivel de la estructura del objeto, cuanto de la parte decorativa del mismo.

La modulación como característica de belleza en un objeto artesanal. La modulación manifestada en todo fenómeno natural transparenta en los objetos artificiales, y en nuestro caso, en la artesanía, un sentido de orden que consciente o inconscientemente es asimilada por el consumidor, que en términos generales lo adjetiva de hermoso.

La proporción en el diseño.

¿Qué significa proporción en la naturaleza? La definición de proporción surge del comportamiento de la naturaleza frente a sus diferentes fuerzas y a las consecuencias de desarrollo, que de ellas se derivan; un ejemplo de ello es que los animales mientras más corpulentos tienen miembros soportantes más sólidos y grueso, lo mismo que los árboles mientras más frondosos se proporcionan con troncos más resistentes.

¿Cómo se aplica la proporción en las artes y en los objetos artesanales? De la misma forma en los objetos grandes o pesados, sus partes deben ser más gruesas o sólidas tanto en lo físico como en su apariencia.

Los elementos de la proporción: el todo y las partes. La anterior afirmación implica que los objetos que forman un todo corpulento deben acompañarse de partes muy destacadas, al contrario un objeto de menores dimensiones, debe estar compuesto de parte frágiles, delgadas y graciosas; he aquí la diferencia entre una mesa de trabajo manual y una mesita de centro de sala.

El diseñador debe conformar una sensibilidad para aplicar en sus objetos proporciones agradables. El artesano debe desarrollar su instinto creativo para saber cuando una forma demanda proporciones mayores o menores y, ser ajustada al gusto refinado del mercado.

La proporción áurea de los helenos y del mundo occidental. Los griegos en la antigüedad utilizaron lo que denominaron la proporción de oro 1; 2; 3; 5; 8; 13; 21; 34 que es una secuencia de tamaños tomados fundamentalmente del cuerpo humanos, al cual en todo momento supieron dar una importancia clásica, tanto en su representación realista, cuando en su recreación en la arquitectura y en la cerámica.

La proporción andina de la época precolombina. También nuestros antepasados, antes de la conquista, supieron utilizar la proporción en la construcción de sus objetos, proporción que es necesario descifrar matemáticamente como un ejercicio de comprensión de esta categoría.

La proporción y el uso de los objetos. La proporción debe adecuarse al tipo de uso que tendrá el objeto; por ello, es necesario someter al objeto diseñado a ciertas pruebas de experimentación, antes que se inserte en el mercado y sufra fracasos por defectos en el tamaño o resistencia de sus elementos.

La dirección y el movimiento en el diseño.

¿Qué es la dirección y el movimiento virtual en las artes? Son definiciones importantes en el diseño, por cuanto así como en todo existe proporción, también todo fenómeno natural se encuentra en permanente movimiento y cambio, lo cual implica direcciones del movimiento. El hombre, por tanto, demanda que los objetos que utiliza sean dinámicos, versátiles, cambiantes, novedosos. Esta condición obliga al artesano a ser un permanente creador de nuevas formas dinámicas para que sus productos no se agoten en la repetición.
¿Cómo se estilizan los movimientos y direcciones que existen en la naturaleza? La observación de las formas en la naturaleza es la mejor maestra del diseño. El artesano debe saber establecer con base en líneas curvas, onduladas, sinuosas o rectilíneas el movimiento del agua, de las nubes, del viento, de las aves, de los animales, para luego trasladar su aplicación a la ornamentación o construcción de sus objetos.

Conocimiento de las formas estáticas y las dinámicas en el diseño. Para que exista el movimiento debemos entender el reposo y, es necesario aprender a contrastar las formas por diferentes grados de dinamismo, lo cual da mayor armonía a los diseños.

¿Por qué preferimos las formas en movimiento a las formas inertes? Las formas dinámicas tienen para los seres humanos significaciones profundas de vida, de salud, de jovialidad. En la presente época, la tecnología de punta, ha producido objetos de uso cotidiano que se manejan a grandes velocidades, estas circunstancias hacen que el hombre conciba los objetos con implicaciones de movimiento y, adecuadas a nuestra época de profundos cambios y dinamismos cada vez más acelerados.

Los elementos de dirección y movimiento: itinerario visual, inicio y destino, frente de orientación, espacio y tiempo. El instructor debe explicar el itinerario en términos de recorridos secuenciales desde un lugar a otro, escalonados por una serie de efectos formales de interés denominados frente de orientación, lo que permite dar direcciones a los objetos y situarlos adecuadamente en su respectivo espacio.

El ritmo popular y el diseño.

Relación entre ritmos auditivos y los ritmos visuales. El ritmo al igual que las demás categorías formales provienen de la naturaleza; el ritmo lo concebimos desde el momento mismo de la concepción, ya que desde ese momento percibimos los latidos del corazón y respiración de nuestra madre; luego nos situamos dentro de ritmos cíclicos de estaciones, años, días y noches, pasos y movimientos rítmicos, lo cual implica que nuestra vida es un orden acompasado de ritmos, los mismos que los expresamos también en el diseño de objetos artesanales.

El ritmo y el estado anímico de quién lo consume. Así como en la naturaleza existen ritmos acelerados y otros lentos, nuestras expresiones artísticas pueden ser moduladas por diferentes clases de ritmos, algunas veces alegres y livianos otras veces tristes y lentos. Los elementos del ritmo artístico: sonido y silencios; llenos y vacíos. Para percibir con claridad los ritmos en las artes plásticas, se deben separar las formas llenas de las formas vacías o negativas, ya que del contraste entre el sonido y el silencio nace la armonía del ritmo.

Principales ritmos: simple y continuo, alterno, compuesto, creciente, decreciente. Deben ser explicados utilizando ejemplos de la vida corriente, para que los artesanos entiendan las respectivas definiciones y establezcan con claridad las diferencias entre los mismos.

¿Cómo se aplica el concepto de ritmo en un objeto artesanal bello? Así como una escultura o templos griegos expresan con claridad sus ritmos los cuales les otorgan una hermosura solemne, así mismo un objeto artesanal puede vestirse de ritmos que los caracterice y valoren. Indudablemente las manifestaciones del ritmo surgirán del entorno físico y cultural del cual provengan sin forzamientos o imitaciones postizas; los ritmos tropicales son distintos a los del altiplano.

El equilibrio y la simetría en el diseño.

Conocer que en la naturaleza existen equilibrios y simetrías que establecen con sabiduría eterna relaciones de estabilidad y posición lógica para cada elemento natural. Equilibrios entre fuerzas que actúan en sentidos contrarios y establecen sistemas de acción y reacción equivalente, lo cual permite al ser humano disfrutar de sensaciones estéticas frente a la lógica de lo bellamente equilibrado.

Identificar cuáles son los elementos propios del equilibrio: fuerzas estéticas. Fuerzas acción, de crecimiento, productoras de movimiento, son finalmente estilizadas en el diseño de objetos, creando sistemas de equilibrio que dan vida y valor artísticos artesanal. Establecer cuáles son los constituyentes de la simetría posiciones, semejanzas, crecimientos. La simetría acompaña al equilibrio por medio de la ubicación de las formas en el sitio conveniente y preciso de acuerdo a su naturaleza, así una flor vibra por su simetría rotatoria, mientras que el rostro de una persona es hermosa por su simetría axial.

¿Qué es equilibrio artístico y qué es simetría artística? Por las consideraciones anteriores, es importante que el instructor enseñe a diferenciar al artesano el equilibrio de la simetría para que el conjunto pueda ser enriquecido. Mientras el equilibrio trata de la armonía de las fuerzas, la simetría trata de la armonía de las posiciones.

¿Cómo se utilizan estas categorías en el diseño de objetos hermosos? El equilibrio permite dar estabilidad a las partes del objeto y la simetría dar variedad creativa, manteniendo una lógica en la posición de cada una de las partes de los objetos.

6. Dibujo técnico

Desde sus orígenes, el hombre ha tratado de comunicarse mediante grafismos o dibujos. Las primeras representaciones que conocemos son las pinturas rupestres, en ellas no solo se intentaba representar la realidad que le rodeaba, animales, astros, al propio ser humano, etc., sino también sensaciones, como la alegría de las danzas, o la tensión de las cacerías.
A lo largo de la historia, este ansia de comunicarse mediante dibujos, ha evolucionado, dando lugar por un lado al dibujo artístico y por otro al dibujo técnico. Mientras el primero intenta comunicar ideas y sensaciones, basándose en la sugerencia y estimulando la imaginación del espectador, el dibujo técnico, tiene como fin, la representación de los objetos lo más exactamente posible, en forma y dimensiones. Hoy en día, se está produciendo una confluencia entre los objetivos del dibujo artístico y técnico. Esto es consecuencia de la utilización de los ordenadores en el dibujo técnico, con ellos se obtienen recreaciones virtuales en 3D, que si bien representan los objetos en verdadera magnitud y forma, también conllevan una fuerte carga de sugerencia para el espectador.

6.1. Ramas del dibujo.

Según su objetivo se divide en dos formas:

1. Dibujo artístico que se realiza libremente y con finalidad estética.
2. Dibujo técnico que se realiza con otros medios auxiliares, siguiendo normas y fines prácticos.
Mientras que el dibujo artístico intenta transmitir emociones, el dibujo técnico pretende transmitir información técnica orientada a la fabricación de un objeto o sistema. Así pues mientras el dibujo artístico no se ajusta a normas estrictas, el dibujo técnico si.

6.2. Concepto de dibujo técnico.

El dibujo técnico es la representación gráfica de un objeto o una idea práctica. Esta representación se guía por normas fijas y preestablecidas para poder describir de forma exacta y clara, dimensiones, formas, características y la construcción de lo que se quiere reproducir. Para realizar el dibujo técnico se requiere de instrumentos de precisión. Cuando no utilizamos estos instrumentos se llama dibujo a mano alzada o croquis.

6.3. Tipos de dibujo técnico.

A) Según el desarrollo industrial y los avances tecnológicos el dibujo ha aumentado su campo de acción. Los principales son:

Dibujo arquitectónico: El dibujo arquitectónico abarca una gama de representaciones gráficas con las cuales realizamos los planos para la construcción de edificios, casas, quintas, autopistas, iglesias, fábricas y puentes entre otros. Se dibuja el proyecto con instrumentos precisos, con sus respectivos detalles, ajuste y correcciones, donde aparecen los planos de planta, fachadas, secciones, perspectivas, fundaciones, columnas, detalles y otros.

Dibujo mecánico: El dibujo mecánico se emplea en la representación de piezas o partes de máquinas, maquinarias, vehículos como grúas y motos, aviones, helicópteros y máquinas industriales. Los planos que representan un mecanismo simple o una máquina formada por un conjunto de piezas, son llamados planos de conjunto; y los que representa un sólo elemento, plano de pieza. Los que representan un conjunto de piezas con las indicaciones gráficas para su colocación, y armar un todo, son llamados planos de montaje.

Dibujo eléctrico: Este tipo de dibujo se refiere a la representación gráfica de instalaciones eléctricas en una industria, oficina o vivienda o en cualquier estructura arquitectónica que requiera de electricidad. Mediante la simbología correspondiente se representan acometidas, caja de contador, tablero principal, línea de circuitos, interruptores, toma corrientes, salidas de lámparas entre otros.

Dibujo electrónico: Se representa los circuitos que dan funcionamiento preciso a diversos aparatos que en la actualidad constituyen un adelanto tecnológico como las computadoras, amplificadores, transmisores, relojes, televisores, radios y otros.

Dibujo geológico: El dibujo geológico se emplea en geografía y en geología, en él se representan las diversas capas de la tierra empleando una simbología y da a conocer los minerales contenidos en cada capa. Se usa mucho en minería y en exploraciones de yacimientos petrolíferos.

Dibujo topográfico: El dibujo topográfico nos representa gráficamente las características de una determinada extensión de terreno, mediante signos convencionalmente establecidos. Nos muestra los accidentes naturales y artificiales, cotas o medidas, curvas horizontales o curvas de nivel.

Dibujo urbanístico: Este tipo de dibujo se emplea en la organización de ciudades: en la ubicación de centros urbanos, zonas industriales, bulevares, calles, avenidas, jardines, autopistas, zonas recreativas entre otros. Se dibujan anteproyectos, proyectos, planos de conjunto, planos de pormenor.

B) Según la precisión del dibujo, la escala y las pretensiones, podemos distinguir varios tipos de dibujos:

1) Boceto
Es una primera aproximación a lo que se desea diseñar, la misión principal es la de definir la forma del objeto a diseñar; se realiza a mano alzada, sin cotas o medidas, por lo tanto no se puede realizar a escala y en algunas ocasiones las proporciones están aun sin definir.

2) Croquis
El croquis es la fase que sigue al boceto, aunque en algunos casos es el primer dibujo que se realiza durante el proceso de diseño. Es un dibujo que también se realiza a mano alzada, (sin útiles de dibujo), pero al contrario de lo que ocurre con el boceto, el croquis tiene que llevar todas las medidas o cotas y debe realizarse de forma proporcionada. El croquis debe de incluir las vistas necesarias para colocar todas las medidas, de forma que el objeto quede completamente definido. El proceso habitual de diseño, consiste en realizar primero un boceto, posteriormente se definen las medidas y se colocan sobre el boceto. Si el dibujo no resulta proporcionado, lo volvemos a realizar con proporciones y el resultado es el croquis.

3) Dibujo delineado.

Se parte del croquis pero al contrario que este, se realiza a escala, con útiles de dibujo y a tinta o se utilizan sistemas de diseño asistido por ordenador C.A.D. (Computer Aided Design) o Diseño Asistido por Computador.

6.4. Características del dibujo técnico.

El dibujo técnico posee 3 características que deben ser respetadas a la hora de realizar un trabajo:

· Grafico
· Universal
· Preciso

Es fundamental que todas las personas, diseñadores o técnicos, sigan unas normas claras en la representación de las piezas. A nivel internacional, las normas ISO son las encargadas de marcar las directrices precisas. En dibujo técnico, las normas de aplicación se refieren a los sistemas de representación, presentaciones (líneas, formatos, rotulación, etc.), representación de los elementos de las piezas (cortes, secciones, vistas, etc.), etc.

6.5. Instrumentos empleados en el dibujo técnico

La realización de un dibujo técnico exige cálculo, medición, líneas bien trazadas, precisión en fin, una serie de condiciones que hacen necesario el uso de buenos instrumentos, buenos materiales, y sumado a esto, el conocimiento teórico que unido a la práctica hacen sobresalir a un dibujante.

Tablero de dibujo.

Es un instrumento de dibujo sobre el que se fija el papel para realizar el dibujo. Por lo general se construye de madera o plástico liso y de bordes planos y rectos lo cual permite el desplazamiento de la regla T. El tamaño depende del formato que se vaya a utilizar. Para el formato escolar es suficiente un tamaño de 40 centímetros de altura por 60 centímetros de anchura. En los talleres de dibujo técnico, en lugar de tableros, se emplean mesas construidas solamente para esta actividad, con las dimensiones e inclinación necesaria.

La regla T.

La regla T recibe ese nombre por su semejanza con la letra T. Posee dos brazos perpendiculares entre sí. El brazo transversal es más corto. Se fabrican de madera o plástico. Se emplea para trazar líneas paralelas horizontales en forma rápida y precisa. También sirve como punto de apoyo a las escuadras y para alinear el formato y proceder a su fijación.


La regla graduada.

Es un instrumento para medir y trazar líneas rectas, su forma es rectangular, plana y tiene en sus bordes grabaciones de decímetros, centímetros y milímetros. Por lo general son de madera o plástico. Aunque son preferibles las de plástico transparente para ver las líneas que se van trazando. Sus longitudes varían de acuerdo al uso y oscilan de 10 a 60 centímetros Las más usuales son las de 30 centímetros.

Las escuadras.

Las escuadras se emplean para medir y trazar líneas horizontales, verticales, inclinadas, y combinada con la regla T se trazan líneas paralelas, perpendiculares y oblicuas. Pueden llevar graduados centímetros y milímetros. Las escuadras que se usan en dibujo técnico son dos:

· La de 45º que tiene forma de triángulo isósceles con ángulo de 90º y los otros dos de 45º.
· La escuadra de 60º llamada también cartabón que tiene forma de triángulo escaleno, cuyos ángulos miden 90º, 30º y 60º.

Partes de la escuadra

· Angulo. Es una Inclinación relativa de dos líneas rectas que se cortan en un punto determinado.
· Vértice. Puntos en que concurren los dos lados de un ángulo.
· Escala. Es un costado de la escuadra que va numerada en milímetros para así poder medir la dimensión de las líneas a trazar.

Usos De Las Escuadras

Trazar líneas claras y precisas es uno de los puntos más importantes, cuando se quieren hacer buenas representaciones técnicas. Todo esto se puede lograr con un correcto manejo de las escuadras y el lápiz.

· Líneas posibles con escuadras de 45º.


45º 45º
45º 45º

45º 45º
45º 45º







· Líneas posibles con escuadras de 60º


30º 30º
30º 30º
30º 30º

30º 30º


30º 30º 30º 30º





· Trazos de líneas horizontales.
Con la mano izquierda presiónese firmemente las escuadras contra la hoja de trabajo, después trácese la línea de izquierda a derecha, con el dedo meñique deslizándose ligeramente a lo largo de la escuadra y girándose suavemente el lápiz.

· Trazos De Líneas Verticales
Cualquiera de las escuadras (45º ó 30º x 60º) sirven para trazar líneas verticales. Nótese que el lado con el que se trazará la línea queda en la izquierda desde donde viene la luz.

· Trazos De Líneas Paralela
Para trazar líneas paralelas con las inclinaciones de 30º, 45º, 60º,75º, 90º y 135º, basta con deslizar la escuadra repitiendo la línea según el grado en que se haya trazado la anterior.
Para dibujar una línea paralela a cualquier línea se debe seguir las siguientes recomendaciones:

· Muévanse las escuadras juntas hasta que la hipotenusa de la escuadra superior quede alineada con la dada.
· Con la escuadra inferior (escuadra Base) firmemente apoyada, deslizar la otra escuadra a lo largo de aquella, retirándola de la línea.
· Trácese la línea en la posición requerida.
· Recomendaciones Para El Uso De Las Escuadras
Ø Este elemento debe permanecer en perfecto estado de conservación, en especial sus vértices, ya que son fáciles de quebrar.
Ø Su aseo permanente es fundamental para el buen desempeño del dibujo.
Ø Evitar el rozamiento con elementos que puedan causar rayones o raspaduras en su superficie.

· Clases de líneas
Ø Línea de margen
Ø Línea visible
Ø Línea de sección
Ø Línea invisible
Ø Línea de ejes o de centro
Ø Línea de acotación
Ø Línea de plano de corte
Ø Línea de rotura corta
Ø Línea de rotura larga
Ø Línea fantasma


El transportador.

Es un instrumento utilizado para medir o transportar ángulos. Son hechos de plástico y hay de dos tipos: en forma de semicírculo dividido en 180º y en forma de círculo completo de 360º. Los números están dispuestos en doble graduación para que se puedan leer de derecha a izquierda y de izquierda a derecha, según donde esté la abertura del ángulo.

El compás.

Es un instrumento de precisión que se emplea para trazar arcos, circunferencias y transportar medidas. Está compuesto por dos brazos articulados en su parte superior donde está ubicada una pieza cilíndrica llamada mango por donde se toma y maneja con los dedos índice y pulgar. Uno de los brazos tiene una aguja de acero graduable mediante un tornillo de presión y una tuerca en forma de rueda. El otro brazo posee un dispositivo que permite la colocación de portaminas u otros accesorios. Las clases de compás son:

· Compás de pieza: es el compás normal que al que se le puede colocar los accesorios como el portamina o lápiz.
· Compás de puntas secas: posee en ambos extremos puntas agudas de acero y sirve para tomar o trasladar medidas.
· Compás de bigotera: se caracteriza por mantener fijos los radios de abertura. La abertura de este compás se gradúa mediante un tornillo o eje roscado. Es utilizado para trazar circunferencias de pequeñas dimensiones y circunferencias de igual radio.
· Compás de bomba: se utiliza para trazar arcos o circunferencias muy pequeñas. Está formado por un brazo que sirve de eje vertical para que el portalápiz gire alrededor de él.

Lápices.

Los lápices son elementos esenciales para la escritura y el dibujo. Están formados por una mina de grafito y una envoltura de madera. Pueden ser de sección redonda o hexagonal. Para dibujar son mejores los hexagonales porque facilitan la sujeción entre los dedos y evitan que se ruede al dejarlos sobre la mesa de dibujo.

Los grados de dureza de la mina. La mina de los lápices posee varios grados desde el más duro hasta el más blando. Con los de mina dura se trazan líneas finas de color gris y las más blandas líneas gruesas y de color negro. Están clasificados por letras y números. La H viene de la palabra hard que significa duro, la F significa firme y la B de black que significa negro. Los más duros son: 4H, 3H, 2H y H. Los intermedios son: HB y F. Los más blandos son: B, 2B, 3B y 4B.

Lápices Duros. Los lápices en este grupo (9H - 8H - 7H - 6H - 5H - 4H) se utilizan donde se requiere una exactitud extrema, como en cálculos, gráficos, cartas y diagramas.

Lápices Medianos. Estos grados (3H - 2H - H - F - HB - B) son para trabajos generales en el dibujo técnico. Lápices H y 2H se utilizan en el dibujo de cálculos a lápiz para copias azules.

Lápices Blandos. Estos lápices (2B - 3B - 4B - 5B - 6B - 7B) son demasiados blandos para utilizarlos en el dibujo mecánico. Su empleo para tal trabajo resulta en líneas toscas y sucias, que son difíciles de borrar y se debe afilar continuamente al lápiz. Estos grados se utilizan para trabajo artístico de varias clases y para detalles a escala natural en dibujo arquitectónico. El lápiz se sitúa aproximadamente a una inclinación de 15º grados la superficie de lijado. El lápiz debe tener una mina bien lijada con la cual puede dibujar.

Recomendaciones para su uso:

· Limpiar la punta en trozo de dulce o un pedazo de papel, así el polvillo no caerá en el dibujo.
· Las distintas clases de líneas son a los dibujos como las letras a las palabras y siendo el dibujo un lenguaje gráfico, que hace necesario conocer cada una de las líneas utilizadas en la representación de objetos.
· Cuando se va a trazar una línea se sugiere ir rotando el lápiz para conseguir que la punta permanezca y así la línea se traza en forma uniforme.

Portaminas o lapiceros.

Los portaminas son de metal o plástico y aloja en su interior la mina o minas que se deslizan mediante un resorte hacia afuera, que han de servir para escribir o trazar. Las minas son de distinta dureza. Aventaja a los lápices por el afilado de la mina y su resguardo.

Goma de borrar.

Las gomas de borrar se emplean para hacer desaparecer trazos incorrectos, errores, manchas o trazos sobrantes. Por lo general son blandas, flexibles y de tonos claros para evitar manchas en el papel. Antes de borrar debe asegurarse de que está limpia y si hemos de borrar partes pequeñas, trazos sobrantes o líneas cercanas, debemos usar la plantilla auxiliar del borrado de acero laminado. Para eliminar del papel las partículas de grafito se usa una goma pulverizada dentro de una almohadilla llamada borrona.

El papel.

El papel es una lámina fina hecha de unas pastas de materiales distintos como trapos, madera, cáñamo, algodón y celulosa de vegetales. Es utilizado en todo el mundo para escribir, imprimir, pintar, dibujar y otros. Existen de diferentes tipos, tonos y texturas. Pero en el dibujo técnico se utilizan dos clases: el papel opaco y el papel traslúcido. El papel opaco no es transparente, tiene varios tonos, desde el blanco al blanco amarillento. La cara donde se dibuja es lisa y brillante. El papel traslúcido es transparente. Es utilizado para dibujos o copias de planos a lápiz o tinta.

El tirro.

El papel se fijará al tablero gracias a la cinta adhesiva o tirro, la cual, si es de buena calidad no dejará huella ni en el papel ni en el tablero. Cortamos cuatro pedacitos de cinta adhesiva, de longitud 2,5 aproximadamente, y los colocamos en el borde derecho de la mesa de dibujo, presionamos con los dedos de la mano izquierda, regla T y formato, pegamos en las esquinas superiores las cintas, de manera que queden perpendiculares a las esquinas, sin que la cinta llegue al margen de la lámina.

7. Principios básicos de dibujo técnico

El presente trabajo se realiza basado en una profunda investigación en el campo del dibujo técnico y así compartir los conocimientos alcanzados por este. Partiendo de los diferentes formatos hasta llegar a los trazos que podemos delinear con los implementos básicos del dibujo. Podemos observar cual importante es el saber manipular estos implementos para lograr un excelente desarrollo en los dibujos. Queriendo con ustedes compartir esta investigación presentamos a continuación el siguiente trabajo.

Formato de los dibujos.

Desde los primeros ejercicios de dibujo es conveniente acostumbrarse a dibujar sobre los formatos de papel establecidos por las normas oficiales, según el cual la forma inicial es un rectángulo de un área de 1m². Los formatos son los siguientes y sus dimensiones están dadas en milímetros y corresponden al papel después de cortado.

Nota: Todos estos formatos se pueden emplear en posición vertical u horizontal; el espacio destinado a la rotulación debe colocarse en el extremo inferior derecho del formato, especialmente del A3 hasta el A0.

A0 es de 840 mm x 1188mm
A1 es de 594 mm x 840 mm
A2 es de 420 mm x 594 mm
A3 es de 297 mm x 420 mm
A4 es de 210 mm x 297 mm

8. La tipografía y la rotulación

8.1. Definiciones básicas.

· Tipografía
Es el conjunto de signos y símbolos gráficos presentes en la página impresa. Estos signos y símbolos reciben el nombre genérico de Caracteres. También se denomina tipografía, al proceso, diseño y arte especializado de componer el material impreso usando tipos de imprenta.
· Familia
En tipografía, significa la agrupación de varios tipos de letra cuyas características coinciden o son similares.

· Tipo
Es igual al modelo o diseño de una letra determinada. Es el término utilizado para describir todos los estilos de letras disponibles en composición tipográfica. Se les dice tipos, a las letras del alfabeto y a todos los caracteres que se utilizan individual o colectivamente.

· Caracteres
En sentido amplio, son todas las letras, números, signos de puntuación y signos diversos. Para efectos prácticos, también se incluyen en esta denominación a los espacios entre palabra y palabra.

8.2. Importancia de la rotulación como medio de comunicación

Así como se logra expresar por medio de los colores estados emocionales o sentimientos, e identificamos al color rojo con lo caliente, al blanco con la pureza y al negro con la oscuridad; las letras por sí mismas, por su forma, contraste o tamaño, pueden expresar ideas o reforzar el significado de las palabras.

De allí parte la importancia que la rotulación tiene para los medios de comunicación, por medio de ésta en una publicidad o en una propaganda podemos expresar de manera textual una emoción o una idea determinada, un ejemplo de esta característica la podemos observar en la siguiente frase:

Fragancia exquisita
Utilizando las mayúsculas con un tipo negra, la frase resulta fría.

Fragancia Exquisita

Empleando una letra JuliusCondensed de perfiles finos, el tipo de letra refuerza y expresa mejor el significado de estas dos palabras.

8.3. Uso de los espacios tipográficos

· ¿Cómo lo expresa el técnico?
Un técnico tipográfico utiliza para componer un texto un soporte guía llamado componedor. Entre palabra y palabra sitúa un taco de metal, y entre línea y línea, cuando quiere separarlas, intercala una fina regleta de metal llamada interlínea, la cual utiliza para dar mayor legibilidad a las líneas de texto. El técnico se rige por estos parámetros para ajustar las letras y lograr una buena unidad de relación entre las palabras.

· ¿Cómo lo expresa el artista?
El artista logra sus composiciones de una manera más natural, sin los límites que imponen las medidas de una regla u otro instrumento. Pero así corre el riesgo de no lograr la legibilidad necesaria a la hora de expresar textualmente una idea. Una letra puede tener gran belleza, pero si no se ajustan correctamente los espacios entre letra y letra y entre línea y línea, esta puede ser de difícil lectura y pierde estéticamente la armonía del diseño en general.

· ¿Cómo lo percibe el cliente?
El cliente puede no tener conocimientos acerca de diseño o tipografía, pero siempre sabrá distinguir un diseño legible, armonioso y bien estructurado. Como observador crítico sabrá cuando los espacios han sido bien utilizados o si en cambio el diseño presenta fallas en estos aspectos.

8.4. Factores que condicionan la legibilidad de un rótulo o texto

· Diseño de la letra: existen tipos de letra que facilitan la legibilidad de un texto ya que sus diseños se ajustan bien a ciertos espaciados. Así, se dice que los tipos de letra latinos y romanos, cuyo diseño es parecido a los clásicos ofrecen mayor legibilidad.

· Espaciado entre letra y letra: una palabra o frase que tenga las letras poco espaciadas dificulta la lectura de las mismas y por tanto no ofrecen buena legibilidad. Igualmente, si éstas están excesivamente espaciadas también resultan difíciles de leer. Así mismo, un espaciado mínimo e igual entre letra y letra, crea en los rótulos una desagradable falta de unidad.

Espaciado Normal: TALAVERA
Espaciado Expandido: TALAVERA
Espaciado Comprimido: TALAVERA

· Tamaño de la letra: las letras grandes son más legibles que las pequeñas. Un tamaño ideal que favorece la lectura es la letra del cuerpo diez o doce. Las lecturas para niños (libros de cuentos y de enseñanza primaria) deben componerse en cuerpo doce o catorce.

· Longitud de la línea: una línea muy larga con letras pequeñas dificulta la lectura, ya que imprime muchas palabras y hace complejo el pasar de una línea a otra. Lo ideal en un texto de cuerpo diez o doce, es un mínimo de 40 letras por línea y un máximo de 70, ya que si sobrepasa este máximo, la lectura del texto puede ser difícil.

· Espaciado entre línea y línea: mientras más extensa es una línea de texto, y más pequeño el cuerpo de la letra, más necesario es el espaciado entre línea y línea, llamado en artes gráficas Interlineado. Entre los más usuales tenemos:

Sencillo
La tipografía es el conjunto de signos y símbolos gráficos presentes en la página impresa. Estos signos y símbolos reciben el nombre genérico de Caracteres.
Doble
La tipografía es el conjunto de signos y símbolos gráficos presentes en la página impresa. Estos signos y símbolos reciben el nombre genérico de Caracteres.
1,5 líneas
La tipografía es el conjunto de signos y símbolos gráficos presentes en la página impresa. Estos signos y símbolos reciben el nombre genérico de Caracteres.
· Calidad de la impresión: una impresión deficiente, con fallos, con exceso de tinta, perjudica notablemente la legibilidad del rótulo y le quita belleza al diseño, dificultando también la lectura del mismo.

8.5. Sistemas utilizados actualmente para rotular

Aparte de los métodos tradicionales de rotular a mano, que actualmente sólo se utilizan para realizar bocetos, los sistemas más utilizados son en orden de importancia:

· El letraset: que es un sistema muy difundido, que consiste en componer un rótulo mediante el traslado calcográfico de las letras que lo componen, a partir de una hoja preparada para este tipo de trabajos.
· La tipografía: que es un sistema basado en la fórmula tradicional de componer un rótulo con letra de imprenta, imprimiendo seguidamente una prueba sobre papel.
· La rotulación fotográfica: en la que se componen los rótulos pegando, una al lado de la otra, letras previamente fotografiadas al tamaño deseado.

Es importante destacar que los dos grandes sistemas que permiten obtener pruebas impresas de rótulos o textos, son: la Tipografía, con sus máquinas de Linotipia y Monotipia, y la Fotocomposición, que es un sistema moderno en el cual, los tipos metálicos son sustituidos por impresiones fotográficas sobre clisé o película positiva.

8.6. Pros y contras de la aplicabilidad de la tipografía en los distintos ámbitos del trabajo.

El uso de las antiguas máquinas tipográficas economiza la impresión, ya que la tinta que utilizan es menos costosa y puede realizar un número mayor de impresiones, además estas máquinas tienen el beneficio de tener hasta 100 años de garantía, como ejemplo, están las máquinas minerva y las rotativas. Uno de los mayores problemas que podrían presentar estas máquinas, es que al dañarse una pieza, ésta es muy difícil de conseguir en el mercado, y entonces se debe mandar a hacer, lo cual sí puede ser costoso.

Las técnicas modernas que han sustituido estas máquinas son computarizadas, estas ofrecen el beneficio de diseños de alta calidad de impresión, que pueden ser reproducidos según el tipo de impresora en distintos formatos, pero el problema que estos sistemas presentan es el alto costo de la impresión, debido al uso de cartuchos, láser, etc., y otro problema es que por esa misma razón, el número de impresiones que se puede realizar es mucho menor y las impresoras no son tan duraderas.
Germán Ccanto Mallma
Email: gerccantom@yahoo.es